La poética en escena a través del CUERPO….
“Detrás de tus pensamientos y de tus sentimientos existe un señor más poderoso, un sabio desconocido, se llama el Ser. Vive en tu cuerpo, es tu cuerpo”Friedrich Nietzsche
Ser bailarín o actor es elegir el cuerpo como campo de relación con el mundo. Es también confiar en la cualidad lírica del propio cuerpo.
El cuerpo se convierte en una formidable herramienta de conocimiento y sensación.
SER CUERPO
Cuerpo silencio donde todo puede surgir….un cuerpo que parte en busca de sí….meditativo y concentrado que se comparte con otros cuerpos que revelan el mío…
Un cuerpo que pasa por las sensaciones y las intensidades más que por la imagen y la figura anatómica.
Haremos de nuestro cuerpo un proyecto singular y lúcido, y a partir de ahí inventaremos una poética propia.
TEXTO CORPORAL / CUERPO MOVIMIENTO/CUERPO IDEA en un encuentro poético.
LA PLASTICIDAD DEL ESPIRITU.
“La plasticidad del espíritu es lo que hace posible todo movimiento humano”.
Ana Continente
- Técnica de Danza Contemporánea (Graham, Limón, Flying Low, Contact Improvisación).
- Técnicas de interpretación aplicadas al movimiento y la investigación.
- Técnica de Improvisación.
- Técnica Alexander
- Anatomía aplicada a la danza.
- Yoga para bailarines.
- Teoría aplicada al trabajo de clase.
- Herramientas: peso/espacio/flujo/tiempo
- El estilo
- Poética d los flujos
- La métrica corporal
- Imaginación poética: metáfora y otras figuras literarias
- La inmovilidad y el silencio
- Las tensiones como poética
- Otros cuerpos: los dobles, las sombras
- La reminiscencia en el movimiento: memoria e identidad.
- La catarsis
- Cartografía sensorial de la piel
- Lo extraño, grotesco, fantástico, onírico
- Lo sublime
- La tragedia: generadora de miedo y piedad
- Cuerpo críptico/cuerpo discursivo
- Cuerpo retórico
“La poesía es ficción basada en leyes de la probabilidad y la posibilidad, no en la realidad”
- Aprender a bailar y a actuar transmitiendo nuestra verdad, única e irrepetible.
- Mejorar nuestra técnica de Danza y también saber cómo interpretarla.
- Conocer nuestra anatomía y su funcionamiento.
- Bailar y actuar expresando libertad y poder.
- Aprender a usar nuestra voz en escena.
- Aprender a improvisar como herramienta creativa y autoconocimiento.
- Bailar y actuar transmitiendo libertad y poder expresivo.
- Producción de presencia.
- Ser capaz de adentrarse en lo desconocido.
- La conciencia de sí mismo en escena: vivir en escena, no sobrevivir
- Llevar a nivel de aparición aquello que un cuerpo apenas esboza
- Gestionar la mirada del otro constructivamente
- Valorar el trabajo de los sentidos
- Aprender a expresarnos con una idea de compartir.
- Valorar el trabajo de los sentidos.
- Trabajar la improvisación como si se comentara a sí misma.
- Aprender a interpretar desde la producción estética que nace del interior.
- Evitar el exceso emocional que nos lleva a la deriva.
- Usar la respiración como dramaturgia y narración en escena.
- No tener prejuicios ante lo grotesco, lo aparentemente feo.
- Gestionar el tiempo y el espacio en escena.
- Generar herramientas escénicas desde la imaginación y la percepción consciente de todo lo que creamos y expresamos.
- Disfrutar de todo lo que aprendemos y gozar de todo lo que el arte nos puede aportar, aunque no vayamos a dedicarnos a ello
“Nuestros cuerpos tienen antenas sutilmente diversificadas, que son nuestros sentidos.
Nuestros cuerpos son acción poética que se expresa a través de lo sentido y lo que hacemos sentir a los demás”
